« Dans un ancien abattoir fermé depuis cinq ans où les tirages sont accrochés sur des filins d'acier reliés à des pylônes de béton gris, le groupe Noir Limite expose sa deuxième création sur un sujet commun : la représentation de la mort.
Jean-Claude Bélégou saisit la mort comme un acte d'amour. Enfouie dans l'obscurité, la chair en décomposition, couverte de sable et de suie, est littéralement avalée par la terre. La matérialité de la lumière autant que l'identité de la mort constituent le sujet de cette vision tourmentée. Pour Bélégou, la prise de vues est un rituel violent où l'histoire individuelle et l'histoire collective se rejoignent. La substance, le poids du corps putrescent, cadrés sans pudeur sous tous ses angles, illustre le manifeste Noir Limite : <<Ce qui est douloureux dans la proximité, c'est la distance qui demeure.>>
Yves Trémorin a choisi de fixer par des fragments d'anatomie (pieds et mains) les signes de la désincarnation physique. Illuminés de l'intérieur, ces membres inertes, posés sur une couverture, sont enfouis dans la pénombre. Les plis, commissures et stries des moignons écornés accréditent l'idée que la mort est plus forte que la vie. le dialogue de l'ombre et de la peau ridée, tannée, érodée, est l'objet de ce travail rigoureux qui a pour enjeu le sens des formes. En cadrant la beauté des mains, agrippées ou détendues, ou cet oeil blanc rivé sur l'éternité, Yves Trémorin témoigne d'une tendresse retenue, à rapprocher de celle qui émanait des émouvants portraits nus de sa grand-mère.
Florence Chevallier, entourée d'accessoires rudimentaires (fleurs, bijoux, bougies) compose un petit théâtre dont elle joue tous les rôles fardée, peinte, maquillée, couverte d'un linceul, elle s'exhibe sans pudeur à travers une série de personnages (madone, princesse, putain ou fée).
Sincérité et dérision se mêlent dans ces scènes imaginaires et poétiques liées à l'enfance. L'iconographie de ces tableaux funéraires parodie les stéréotypes de la mort figurés dans les images saintes. Par ce jeu de miroirs avec son double, Florence Chevallier accomplit une sorte de voyage exotique et initiatique dans l'au-delà. Ses coloris suaves et aigre-doux rompent pour la première fois avec le langage du noir et blanc spécifique de Noir Limite.
Suite du travail opéré sur le <<corps à corps amoureux>>, ces soixante-quinze oeuvres développent les interrogations esthétiques sur la substance même de la photographie menée marginalement par le groupe Noir Limite depuis sa création en 1986.»

Patrick Roegiers, Le Monde du 5/4/91 Jouez avec la mort.

«Le groupe Noir Limite qui depuis cinq ans se distingue par la rigueur de ses travaux expose aux Anciens Abattoirs du Havre sa troisième création. Florence Chevallier, Yves Trémorin, Jean-Claude Bélégou, ont pris le parti de la provocation et de la séduction. Les avis les concernant seront donc tranchés. Insoutenables ou fortes, les images de Noir Limite méritent l'attention, elles parlent sans voyeurisme de notre devenir que l'on soustrait souvent  : la mort.»

Nathalie Luyer, Vis à Vis International n°9.

<<Le Groupe Noir Limite s'est donné pour mission de constituer son oeuvre sur la lisière de ce qui est figurable. Que la censure sous sa forme brutale l'ait atteint est regrettable certes, mais rien n'est censurable aujourd'hui que parce que tout le reste est déjà censuré : l'homme séparé de lui-même, de son espèce et de sa fin par la puissance active contre lui des chiffres.
Que cette oeuvre manifeste au présent l'abolition virtuelle inéluctable de chacun, que la mort soit par le génie propre de la photographie notre passé, notre présent et notre devenir. Mais cette interdiction promontoire du désir de soustraire et d'effacer, outre qu'elle révèle l'efficacité de ce qui est révélé, révèle aussi que l'espèce entendait encore se défendre de sa condition ; signe instructif pour chacun que l'espèce allait à sa perte en se niant quant à son destin, en niant l'image de ce dernier.
Préparons ensemble la bonne mort de chacun, c'est aussi affaire d'images acceptées, défendues, supportées par tous>>
Rien mieux que cet extrait du critique d'art Bernard Lamarche-Vadel, repris dans le catalogue, ne pouvait introduire notre présentation de ce qu'il est convenu d'appeler un événement artistique de tout premier ordre (...)
Rappelons que le groupe Noir Limite réunit trois jeunes artistes : Jean-Claude Bélégou, Florence Chevallier et Yves Trémorin. Tous trois se sont rencontrés à Arles en Juillet 1984. De la convergence de leurs travaux et préoccupations est né en Janvier 1986 le groupe Noir Limite.
«Noir Limite, selon son manifeste, est le noir de la matière photographique, cet attachement à la réalité de la photographie, le noir d'une certaine vision du monde, un retour à l'homme, la souffrance, la jouissance, le tragique, à la subjectivité, à une jouissance esthétique. Le retour au corps au-dedans, à l'extérieur. La simultanéité de la profondeur de la surface de la peau et celle de la photographie. Une surface, une matière à vif, à nu, une surface qui dise ses entrailles...»
Cette troisième création Noir Limite nous remet en mémoire les difficultés que la précédente, travail sur le corps à corps amoureux, avait et continue de rencontrer, notamment censurée à Bourges et près de Milan. A n'en pas douter cette étape au Havre, dans cet abattoir-cathédrale, va encore faire hurler l'enfer des «bonnes intentions.»
Difficile d'imaginer cette exposition, son environnement : un haut lieu de boucherie de 1500 m2 construit après guerre sur le port ; son contenu : soixante-quinze photographies de grand format (80*120 cm); son thème : ce dont personne ne veut entendre parler, c'est-à-dire le tabou qui pèse sur la représentation de la mort ; sa séduction et sa provocation : sa mise en images exigeant du spectateur << un rôle actif par une «mise en danger» de son regard et de ses émotions.>>
Avec Jean-Claude Bélégou, nous assistons au retour à la terre, au repos, à la mort. Mais dans cet environnement de terre le corps n'est pas un décor, ni un lieu exotique, c'est aussi un terrain d'argile (berceau, labour, racine, sève) et biologique, physiologique. L'artiste prend en compte la terre comme étant encore lieu des forces intérieures, lieu d'intimité, lieu de bouillonnement des sèves, de maternité, de pénétration. C'est l'étreinte terre chair qui permet encore l'échappée sensuelle. Selon un proverbe maori, la terre est une mère qui ne meurt jamais.
Pour reprendre l'expression de Jacques Henric, autre préfacier et co-invitant à l'exposition, <<Le nu réembarque pour une glaise dont il n'est pas sorti. Ce n'est pas une fin, c'est un commencement. Pas une mort. Un acte d'amour.>>
Yves Trémorin traduit la mort en posant son regard sur les centres de perception du corps, de mobilité, sur ce qui ont permis au corps d'être dans l'action, d'exprimer ses vouloirs et ses pouvoirs, ce qui le rendait être unique dans ses facultés propres. C'est la fin du mouvement, du geste, de l'action. De ces gisants anonymes il ne montre que des extrémités : pieds, mains, oeil, parties de chair usées, entamées, érodées par la vie, toujours baignés d'une espèce d'aura de vie.
La série de Florence Chevallier surprend d'abord par la couleur et la propre mise en représentation de l'artiste. Elle comporte aussi deux volets. Le premier réunit les photographies réalisées au départ de la série. le travail sur la couleur est encore proche du noir et blanc et conserve une part d'ombre et de mystère, ce qui sera abandonné par la suite.
C'est sans doute la part la plus séduisante parce que romantique. (...)
Le second volet ne flatte plus l'oeil. C'est une véritable provocation, un sacrilège baroque, une mise en scène du dérisoire, un long ricanement soigneusement ponctué de fleurs, des «jeux interdits» lucidement exaltés. (....)
Florence Chevallier met en scène les image de la mort, de sa mort. A leur tour elle donne l'imagination de la mort. Un tel réalisme empêche tout essor poétique, toute échappée, fut-elle lyrique ou érotique. (...)
Avec son exposition «Corps à corps», puis avec celle sur la mort, Noir Limite confirme son refus de prendre le corps comme lieu mental. Il entreprend ce corps comme un terrain à risque, un lieu géographique où il y a lieu de prendre tous les risques, y compris celui de s'y dissoudre. La photographie du corps doit être un résultat physique, une affirmation d'existence charnelle.
Noir Limite renforce la radicalité du corps, lieu élémentaire de vécu (sexe et mort) et lieu combinatoire (sexe-vie et mort), vide de toute rhétorique idéaliste au nom de laquelle on a l'hypocrisie de la nier.
Nous sommes en présence d'une immense provocation. C'est certain. La vie, l'amour, la mort sont à ce prix. <<Qui laisse une trace laisse une plaie>> a écrit Henri Michaux. Que cette sublime provocation reste en nous comme une trace, et plus qu'une trace photographique. Que subsiste en nous la plaie salutaire.»

Pierre Bastin, La Wallonie, 12/4/91, Noir Limite aux abattoirs.

« C'est dans les docks, c'est dans un lieu complètement exilé, dans un ancien abattoir raclé jusqu'à l'os, aux carreaux crevés, où seule persiste l'ossature de béton gris, c'est là que sont accrochés sur des filins d'acier les 75 tirages du groupe. Il y a chez eux une forme de ténacité à part.

Patrick Roegiers, France Culture 25/5/91.

«Que du brut, du béton de l'extra, aujourd'hui, ça déménage.... <<Préparons ensemble la bonne mort de chacun, c'est aussi affaire d'images acceptées, défendues, supportées par tous>> écrit Bernard Lamarche-Vadel, critique d'art et l'un des supporters connus (avec Jean-Claude Lemagny et Jacques Henric) du groupe Noir Limite, créé en Janvier 1986,. Soit Florence Chevallier, Yves Trémorin et Jean-Claude Bélégou, <<Trio infernal>> prompt à dégainer des images incendiaires et des réactions itou : parfois, censure! Thème de leur dernière stupéfaction, La mort. Corps défigurés par la terre (Bélégou) mouillé de fougères ou vampirisé par le néant (Chevallier) stigmatisé en morceaux choisis, la mort n'est pas facile à encaisser, encore moins à choisir.»

Brigitte Ollier, Libération, 4&5/5/91.

« A l'évidence, l'endroit tient du religieux. On y respire un abandon qui réclame le drame et la passion. Au-dessus de nos têtes des centaines de petites vitres forment un vitrail désespérant. Elles se sont brisées sous l'assaut d'anges armés de frondes. Des brèches par où s'engouffrent le vent et le bleu du ciel.
<<De l'érotisme, il est possible de dire qu'il est l'approbation de la vie jusque dans la mort>> a prévenu Georges Bataille. Noir Limite nous entraîne sur ce chemin de croix périlleux. les visiteurs claudiquent, un pas dans la vie, l'autre dans la mort. Un pas dans le divin, l'autre en enfer...
Jean-Claude Bélégou a surpris une femme ensevelie. Le corps nu du cadavre est des plus accueillants. Cuisses ouvertes. Le sexe semble huilé (saintes huiles!) comme pour un ultime désir. La terre obscurcit le ventre, les seins, le visage et les cheveux de la morte à la manière d'un suaire délicat. La chair est fraîche. La mort douce. En écho nous revient un passage du récit du père Gracian après l'exhumation de Thérèse d'Avila. Aucun cheveu ne manquait. Le corps était charnu des pieds à la tête, le ventre et les seins <<Tels que s'ils n'eussent point été faits de choses corruptibles>>. Nous aimons imaginer Thérèse belle comme cette morte à la peau encore frissonnante.»
La mort vue par Florence Chevallier est d'un kitsch extra. On songe au luxe de pacotille exhibé dans certaines régions d'Italie, d'Espagne ou du Mexique en de pareilles circonstances. Toc et religieux font bon ménage. Sexe et sacré aussi. La démonstration fut faite de nombreuses fois. Madone enguirlandée, Bienheureuse fleurie, Florence Chevallier met en scène la mort dans une débauche d'étoffes colorées. Un diadème posé délicatement sur sa tête, elle nous fait penser aussi enveloppée de fourrure sombre, aux derniers moments d'une reine. Mais une reine offre-t-elle ses seins, ses hanches, sa toison à la postérité? Hélas non. Mais la mort ainsi fardée, presque coquette, ne peut faire oublier que la pourriture guette. Une partie de cache-cache perdue d'avance par les mortels.
La camarde, c'est aux extrémités du corps que Yves Trémorin l'attend. c'est par là que le froid arrive. Gros plan sur ce pied qu'autrefois le croque-mort mordait pour s'assurer du décès de son client. Arrêt sur la main, paume ouverte sur le ciel. main qui fut caressante et travailleuse. Yves Trémorin creuse chaque ride, chaque pli. Nos membres se fanent vite. profitant de leur immobilité, il saisit ce que le mouvement - la vie - dissimulait. La mort n'a rien à cacher...

Pascal Colé, Les Infos.

Pour fêter le vingtième anniversaire de sa galerie, Agathe Gaillard présente des oeuvres sur le thème de la beauté. C'est surtout une réponse au développement d'images difficiles, sur le thème du corps notamment, qui ont foisonné dans les années 80 Avec ses convictions qui échappent à tout discours officiel, des choix parfois contestables mais portés par des mots bien à elle, Agathe Gaillard tient, depuis vingt ans, la barre de sa galerie de photographies, où le visiteur est accueilli par des pivoines blanches avant d'être invité à reporter ses impressions sur un livre d'or. Quand l'idée même de vendre de la photographie passait pour incongrue, « Agathe », comme on l'appelle, était là. Elle défend et vend les grands classiques comme André Kertész, Henri Cartier-Bresson, Bill Brandt, Manuel Alvarez Bravo, Mario Giacomelli, Edouard Boubat, Gisèle Freund, Jean-Philippe Charbonnier... Cette galerie accompagne également l'oeuvre de Ralph Gibson, a vu naître les couleurs parfumées d'enfance de Bernard Faucon, le journal autobiographique d'Hervé Guibert, les images magiques de Hughes de Wurstemberger. Tous ces photographes, on les retrouve dans cette exposition-anniversaire, sensible et émouvante, sur le thème de la beauté. Elle est à la fois un manifeste de ses choix et une critique d'une certaine photographie dite plasticienne qui, dans les années 80, a envahi les circuits de l'art contemporain centres d'art, galeries, fonds national et régionaux d'art contemporains, foires... Il y a évidemment à boire et à manger, du remarquable et du quelconque, dans cette tendance aux ingrédients multiples : refus radical du reportage et de l'appareil comme simple enregistrement de la réalité, grands formats proches du tableau, mises en scène millimétrées débouchant sur des fictions, travail autour du flou, du détail, de la matière. C'est bien une autre façon de saisir l'insaisissable, une autre façon de voir ce qui est proposé. Il y a surtout une présence trop accentuée pour être fortuite du thème du corps. Le sujet est vieux comme la photographie, mais, dans les années 80, ont fleuri des images d'un corps meurtri, douloureux, morbide, malade, maltraité, lacéré, déformé, voire décomposé. A la Biennale de Venise par exemple, Jean Clair a exposé les atteintes portées au corps, depuis les actionnistes viennois jusqu'à Nancy Burson en passant par les portraits à la morgue d'Andres Serrano (lire page 34 l'article de Geneviève Breerette). Citons aussi le travail du Canadien Donigan Cumming sur le corps nu et décharné d'une vieille dame, dont l'affiche a été récemment censurée dans une exposition à Nancy. Ou encore l'actuelle exposition de Joel-Peter Witkin, à la galerie Baudoin-Lebon, qui met en scène des corps décapités, portés par une chair en voie de décomposition. L'exposition « A corps perdus », présentée au printemps à Arles, était un bon état des lieux qui ne nous cachait rien de l'épiderme gluant, du grain de la peau, des poils écoeurants, de la graisse qui se mêle au muscle, de la chair vieillissante de John Coplans... En 1991, le groupe Noir Limite (Jean-Claude Bélégou, Yves Trémorin, Florence Chevalier) montrait au Havre un corps putrescent ou embaumé. Aux prochaines Rencontres d'Arles, en juillet, les festivaliers risquent d'être secoués par des images perturbantes, du corps ficelé par Araki au corps dégénéré de SudAfricains blancs par Roger Ballen, en passant par quelques amuse-gueules pétillants autour du sexe. Dans ce dernier registre, la palme va au tandem sulfureux Yan Morvan (pour les photos) et Jean-Marc Barbieux (textes), qui proposent Mondosex, un reportage pointu dans le monde de la pornographie gagné par la silicone. Il faudra un jour expliquer ce malaise qui a gagné la photographie contemporaine, se demander ce que signifie l'avalanche d'images morbides sur les cimaises quand le genre a longtemps été réservé au photojournalisme (guerres, famines, épidémies, charniers). Il faudra dire comment les ravages du sida ont influencé entre autres l'oeuvre de Peter Hujar, Nicholas Nixon, Nan Goldin, Cindy Sherman, Robert Mapplethorpe, comment les guerres ont poussé des artistes à décrire les corps meurtris (Sophie Ristelhueber, Gilles Peress, Jeff Wall). Tous montrent ce que l'on refuse de voir. Il est vrai que le public possède pour unique référence les images harmonieuses et bien composées d'Henri Cartier-Bresson. Alors le choc est trop fort, la fracture trop béante entre deux esthétiques opposées. Surtout quand on a l'impression qu'aucune nécessité, aucune urgence ne portent l'inacceptable.

Michel Guerrin, Comment les images morbides ont envahi la photographie contemporaine article paru dans l'edition du 21 juin 1995.